Fashion is Art: así será el dresscode de la MET GALA 2026

La gala benéfica más influyente de la industria de la moda está calentando motores y ya nos presenta su código de vestimenta.

"La moda es arte" nos anuncia el evento anual del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, un código de vestimenta que más allá de un reglamento del vestir de la noche implica una mentalidad muy clara: la moda no es un simple acto superficial, sino una expresión elevada de la creatividad.

Por mucho tiempo, se ha considerado al vestir y darle valor emocional a las prendas como acto más bien soberbio, desinteresado y banal, como si preocuparnos por nuestros modos de utilizar la indumentaria fuera destinado para personas vacías. Pero como bien dijo nuestra poderosa Blair Waldorf: "La moda es el arte más importante que existe, es movimiento, diseño y arquitectura todo en uno", y como su escritora no cree en las casualidades en la industria, considero que esta frase tan popular tiene una fuerte influencia en la conexión entre el código de vestimenta y el tema de la exposición de este año de la Gala del MET.

Me gustaría iniciar recordando la diferencia entre estos dos aspectos del evento: dentro del museo, se encontrará una exposición construida a traves de una curaduría muy cuidadosa de piezas de moda unidas por un hilo conductor o temática que este año será "Costume Art", el cual desarrollamos artículos previos. Por otro lado, el código de vestimenta que explicaremos en este artículo será las reglas que deberán seguir las celebridades invitadas (o más bien, sus estilistas) a la hora de eligir sus looks para la gala.

Entendiendo esta distinción, podemos avanzar en el porqué de la elección de este dresscode para este año. Sabemos que la exposición se compondrá de prendas que toman al cuerpo como la mayor inspiración, desde la composición orgánica hasta su expresión simbólica y filosófica, siendo esta una concepción bastante antigua, tomada por los antiguos griegos como pilar de su construcción artística y moral: el cuerpo como mayor fuente de inspiración. Es así que podemos observar cómo a lo largo de sus creaciones artísticas registradas (desde esculturas hasta prendas de vestir), el cuerpo fue el epicentro. Es por ello, que para promocionar la exposición se utilizó una escultura griega como eje central. Pero esta decisión se amplifica, al recordar que el movimiento artístico más influyente y memorable de todos los tiempos se basó fundamentalmente en esta concepción clásica del cuerpo: el renacimiento. Si pensamos en obras artísticas, pensamos en este paradigma que cambió la creatividad para siempre.

Por lo tanto, conectar al cuerpo con el arte y el vestir no parece ser tan descabellado, incluso es un movimiento muy inteligente y creativo, abriendo el camino a estilistas y diseñadores a presentar a sus celebridades desde diferentes angulos; desde jugar con las proporciones del cuerpo, las ilusiones ópticas de desnudez, o las siluetas hipnóticas, hasta optar por ir por un camino más obvio como tomar colecciones inspiradas en obras artísticas, como Rahul Mishra (Alta Costura FW25) o John Galliano (Dior Alta Costura SS08) inspirandose en las pinturas de Gustav Klimt, la clásica colección de Mondrian de Yves Saint Laurent (1965) o volver al surrealismo compartido entre Elsa Schiaparelli y Salvador Dalí (ya les voy advirtiendo que veremos mucho de Schiaparelli esa noche). La moda tomó inspiración de pinturas, cuadros y arquitectura desde hace generaciones, y estará en el ojo de los espectadores reconocer las referencias.

Sin embargo, no perdamos de vista que la moda es un arte en sí misma, y no necesita inspirarse de otras ramas para ser autenticamente una obra de arte; la técnica y creatividad combinada pueden darnos piezas inolvidables que podrían destacarse por encima de cualquier referencia a otros campos, solo hay que permitirse expandirse y salirse de la caja.